연극 의상

서양 연극의 전통은 기원전 6 세기에 포도주와 향연의 신인 디오니소스를 기리는 그리스 축하 행사에 기초를두고 있습니다. 폭로 (춤, 노래, 합창 반응)는 기원전 535 년에 극작가 테스 피스가 합창 지도자에게 반응 할 배우를 소개했을 때 구화 드라마로 발전했습니다. 결과는 대화였습니다.

또 다른 극작가 인 Aeschylus (기원전 525-456)는 그리스 비극의 전통 의상이 된 것을 확립 한 것으로 알려져 있습니다. 그것은 긴 소매, 무늬가있는 튜닉, 즉석 문자 인식을위한 양식화 된 가면, 그리고 corthunae라고 불리는 한 쌍의 높은 밑창 신발로 구성되었습니다. 이 모든 의상은 연극 용으로 만 사용되었습니다. 일상복에서 영웅을 연기 할 수는 없습니다.

그리스 코미디의 배우들도 자신이 연기 한 캐릭터를 나타 내기 위해 가면을 썼습니다. 또한, 그들은 종종 과장된 신체 부위, 패딩 처리 된 바닥 또는 배, 그리고 특대 크기의 남근을 추가하여 코믹 효과를 높였습니다. 평범한 시민들이 입는 짧은 튜닉은 코미디에 적절하다고 생각되었습니다.

로마인들은 그들 자신의 왜곡을 추가했지만, 그리스인들이 확립 한 의상 관습은 본질적으로 로마 제국이 멸망 할 때까지 동일하게 유지되었습니다. 그 때 서양 극장은 사실상 800 년 동안 사라졌습니다.

중세와 르네상스

극장이 다시 등장했을 때 아이러니하게도 교회의 ​​맥락에서 그렇게했습니다. 기독교 교회는 드라마의 맹세 한 적이었다 (가장 겸손하고 악마 숭배와 비슷하다고 인식). 그러나 예배는 점점 더 적은 수의 교구민들이 이해할 수있는 라틴어로 수행 되었기 때문에 사제들은 전례를 극화하는 방법을 고안해야했습니다.

• 브로드 웨이 의상
• 의상 디자이너
• 연극 메이크업의 역사

기원 5 세기 이후부터는 성도들의 삶을 묘사 한 신비 연극, 경전의 각색 사건, 기적 연극이 교회 안팎에서 점점 더 많이 공연되었습니다. 더 정교 해지면서 그들은 시장 광장으로 이동했습니다.

초기 종교 드라마에서 입었던 의상은 교회 의상이었습니다. 대본이 더욱 세속화되어 성직자 외에도 마을 사람들이 자주 참여하면서 평신도 공연자들은 교회 소유가 아닌 의상 조각에 대한 책임을 맡았습니다. 현대 종교 예술은 다니엘, 헤롯, 성모 마리아 및 여러 악마와 같은 인물에게 영감을주었습니다.

르네상스 시대에 풍경과 의상의 제작 요소가 텍스트보다 훨씬 더 중요해졌습니다. 유럽 ​​전역에서 귀족들은 손님을 즐겁게하기 위해 호화로운 궁정 가면극과 미인 대회를 열었습니다. 의상은 신, 동물, 신화 생물뿐만 아니라 희망과 기쁨과 같은 감정을 묘사했습니다. 이 축제의 디자이너에는 Leonardo da Vinci와 Inigo Jones가 포함되었습니다.

Commedia Dell'Arte

인기있는 거리 코미디의 한 형태 인 Commedia dell'arte는 16 세기에 이탈리아에서 등장했습니다. 순회 배우 그룹은 이탈리아와 유럽 전역에서 대부분 즉석 연극을 선보였습니다.

그리스 코미디 (commedia가 연결되어있는 것으로 생각됨)와 마찬가지로, commedia 배우는 마스크와 전통 의상으로 식별 할 수있는 스톡 캐릭터를 묘사했습니다. 비웃는 노인 인 판 탈룬은 종종 그의 이름을 딴 넓은 바지를 입고 있었다. 교활한 하인 Brighella는 19 세기 영국 정복의 전신 인 가로 녹색 줄무늬 코트를 가졌습니다. 다른 만화 캐릭터로는 Arlecchino 또는 Harlequin, 항상 검은 옷을 입은 현학적 인 학자 Il Dottore, 비겁한 스페인 사람 Il Capitano가 있습니다. commedia의 진지한 캐릭터, 두 쌍의 연인과 하인 소녀는 현대적인 옷을 입었습니다.

William Shakespeare, Jean-Baptiste Moliere, Jean-Antoine Watteau의 작품은 모두이 중요한 대중 예술 형식의 영향을 보여줍니다.

16 세기부터 18 세기까지

셰익스피어 연극의 의상은 관중들이 표준 대회로 받아 들인 다양한시기의 혼합이었습니다. 대부분의 부분은 배우 (모두 남성)가 소유하거나 극장 후원자가 제공 한 현대적인 드레스로 공연되었습니다. 때로는 헬멧이나 흉갑이 군인을 나타낼 수 있습니다. 요정과 님프는 고전적인 커튼을 입을 수 있습니다.

같은 원칙이 17 세기와 18 세기의 의상에도 적용됩니다. 대부분의 배우, 특히 여배우는 가능한 한 멋지게 옷을 입습니다. 터번은 동양의 성격을 나타냅니다. 깃털이 달린 헬멧은 군인을 의미합니다. 공연자들은 극장에서 제공하는 특기 품목을 제외하고 자신의 옷장을 제공했습니다.

19 세기와 20 세기 초

헨리 8 세 왕의 윌리엄 테리스. 1895 년

1770 년대와 1870 년대 사이의 기간은 의상 디자인의 역사적 정확성을 향한 추진력을 보였습니다. 여행이 상대적으로 쉬워지면서 글과 시각적 인 보고서가 사람들의 다른 문화에 대한 지식을 증가 시켰습니다. 1851 년 런던에서 열린 크리스탈 팰리스 전시회와 같은 국제 전시회는 이국적인 장소의 물질 문화를 대중에게 알 렸습니다. 그들은보고 읽은 내용이 무대에 반영되기를 원했습니다.

Saxe-Meiningen의 독일 공국에서 Duke George II는 Meiningers라는 자신의 극단을 설립했습니다. Duke는 사용 가능한 모든 리소스를 사용하여 배우를위한 진정한 의상을 만들었습니다.

Meiningers는 대륙을 광범위하게 여행했으며 제작 스타일은 파리의 Théâtre Libre와 러시아의 Moscow Art Theatre와 같은 19 세기 현실주의의 요새에 큰 영향을 미쳤습니다. 미국에서 임프 레사 리오 데이비드 벨라스코의 제작은이 새롭고 현실적인 스타일에 대한 그의 감탄을 반영했습니다.

불가피한 반발이 이어졌다. 러시아에서는 한 가지 예를 들기 위해 구성주의 예술가들이 옷과의 유일한 관계가 인간이 입는 것 뿐인 고도로 개념적인 의상을 디자인했습니다.

결국 두 스타일 모두 유효한 것으로 인식되어 21 세기까지 계속되는 역사적으로 정확하거나 개념 중심의 제작물이 혼합되었습니다.

현재 연습

연극 의상은 대본을 지원하도록 설계되었습니다. 사실주의 나 역사주의가 텍스트의 중심이라면 의상은 시대 나 환경에 적합한 복장을 정확하게 반영 할 것입니다. 예를 들면 Henrik Ibsen의 마스터 빌더 , 1890 년대 초의 의류 또는 David Storey의 탈의실 , 잉글랜드 북부의 럭비 선수 그룹에 적합한 유니폼과 스트리트웨어를 요구합니다.

다른 스크립트에는 더 멋진 접근 방식이 필요합니다. 셰익스피어 폭풍우 섬에 설정되어야하지만 그 섬은 세계 어느 곳에 나있을 수 있습니다. Prospero와 Miranda는 디렉터와 디자인 팀이 합의한 기간에 거주 할 수 있습니다.

의상이 세련된 드레스에 미치는 영향

영화 의상은 종종 유행하는 의상에 영향을 주지만 연극 의상은 거의 영향을주지 않습니다. 개봉 첫 주에 전국 수백만 명의 사람들이 영화를 본다. 대조적으로, 평균적인 브로드 웨이 극장은 1 주일 동안 8 천명 만 수용 할 수 있습니다.

또한 일반적으로 촬영이 끝나고 영화가 개봉되기까지 1 년 이상의 간격이 있습니다. 이 간격에서 패션 잡지 및 기타 정기 간행물은 의상을 보여주는 스프레드를 실행하여 고객 수요를 창출 할 수 있습니다. 역사적으로 영화 스튜디오, 제조업체, 백화점 및 양장점 패턴 회사는 영화와 영화에서 영감을 얻은 기성복 (또는 기성복)을 홍보하기 위해 파트너십을 체결했습니다.

고전적인 예는 같은 이름의 1932 년 영화에서 Joan Crawford가 착용 한 'Letty Lynton'드레스입니다. 영화가 개봉 되 자마자 애드리안의 디자인이 50 만 부 이상 판매 된 것으로 알려져 있습니다. 1967 년에 Theodora von Runkle의 의상은 보니와 클라이드 1960 년대 후반에 인기를 끌었던 1930 년대 리바이벌 스타일의 트렌드를 촉발했습니다. Diane Keaton을위한 Ruth Morley의 의상 제작 애니 홀 1970 년대 후반 미국과 유럽 전역에서 닮았다.

연극 복장과 거리 복장 사이에 관계가 거의없는 또 다른 이유는 규모입니다. 의상은 30 ~ 40 피트 거리에서 볼 수 있도록 설계되었습니다. 세부 사항은 과장되어 표시됩니다. 대조적으로 영화는 주로 클로즈업에 관한 것입니다. 영화 의상은 성공적인 연극 의상이 될 수없는 방식으로 '진짜'여야합니다.

몇 가지 예외가 있지만 드문 경우입니다. 1969 년 브로드 웨이 Neil Simon 's 제작을 위해 Patricia Zipprodt가 디자인 한 빨간색 정장 플라자 스위트 이후 Bergdorf Goodman을 위해 제조되었습니다. 2002 년 Bloom-ingdale 's는 William Ivey Long의 뮤지컬 디자인을 기반으로 한 플러스 사이즈 의류 컬렉션을 선보였습니다. 헤어 스프레이.

극장 행사의 관객은 영화에 참석하는 사람들의 수에 비해 너무 적기 때문에 극장을 디자인 소스로 사용하는 것은 경제적 의미가 거의 없습니다. 무대의 현대 의상은 세련된 드레스를 반영 할 수 있지만 영향을 미치지는 않습니다.

특별 요구 사항

댄스 신발은 유연성이 필요합니다

무엇보다도 연극 의상은 움직임을 위해 설계되었습니다. 암홀은 대량 생산 된 의류보다 높게 절단되어 배우가 전체 의상을 따르지 않고 팔을 들어 올릴 수 있습니다. 이음새를 쪼개지 않고 킥을 할 수 있도록 크로 치는 더 높게 자릅니다.

의상은 몇 달 또는 몇 년 동안 일주일에 8 번의 착용을 견딜 수있을만큼 튼튼해야하며, 자주 청소하거나 세탁해야합니다. 대본이 '빠른 변화'를 요구한다면, 연기자가 1 분 안에 옷을 완전히 갈아 입는다는 의미라면 변화를 쉽게 할 수 있도록 의상이 구성 될 것입니다. 예를 들어, 셔츠를 빨리 갈아 입기 위해 단추 구멍 위에 단추를 꿰매 었습니다. 셔츠는 스냅이나 후크 앤 루프 테이프로 닫혀있어 문자 그대로 공연자에게서 찢어 질 수 있습니다.

무용수 신발은 무용수가 구부리고 발을 가리킬 수있을 정도로 얇아 야합니다. 맞춤 제작시 엘크 스킨이 선택되는 소재입니다.

동향 및 개발

연극 의상은 천연 섬유 (면, 린넨, 실크 및 양모)에 크게 의존합니다. 합성 물질은 천연 섬유처럼 취급하거나 드레이프하지 않습니다. 그러나 신소재 개발은 업계에 막대한 영향을 미쳤습니다.

예를 들어 1950 년대 후반 이전에 댄서 용 타이츠는 신축성있는면으로 만들어져 새그와 가방에 주었거나 뜨개질을하고 달리기 쉽습니다. 라이크라, 스판덱스 및 기타 양방향 신축성 직물의 발명은 이러한 문제를 해결했습니다. 땋은 나일론 말총은 녹말이 들어간 린넨 원본을 흉내 내지 만 세탁시 모양을 유지하는 러프를 만드는 데 사용할 수 있습니다.

의상 전용 직물을 제조하는 회사는 없습니다. 시장은 너무 작습니다. 그러나 의상 사용자는 다른 목적으로 설계된 제품의 연극 적 용도를 발견하는 데 매우 창의적입니다. 예를 들어 열가소성 시트 유형의 브랜드 이름 인 Veri-form은 정형 외과 의사가 경량 캐스트에 사용하는 개방형 직조 플라스틱 메쉬 패브릭입니다. 우수한 갑옷과 마스크를 만들고 무독성이며 작업하기 쉽습니다.

야구 모자를 환기시키는 데 사용되는 플라스틱 그물망은 파괴 할 수없고 저렴한 크리 놀린을 만듭니다. 에어컨 및 기타 유형의 폼을 자르고 조각하여 가벼운 마스코트 또는 내부의 배우보다 키가 크고 넓은 기타 의상의 하부 구조를 형성 할 수 있습니다. 바디 슈트에 싸여있는 Birdseed는 처진 가슴의 움직임을 시뮬레이션하는 데 탁월합니다.

지난 20 년 동안이 분야에서 가장 중요한 발전은 의심 할 여지없이 보건 및 안전 문제에 대한 인식이 높아진 것입니다. 1970 년대 늦게 디자이너와 의상 제작자는 관련된 위험을 이해하지 못한 채 매우 독성이 강한 페인트, 용제 및 접착제로 직물을 일상적으로 처리했습니다. 21 세기에는 독성이 적은 제품을 사용할 수있을뿐만 아니라 물질 안전 보건 자료, 호흡기, 스프레이 부스 및 기타 보호 장치가 표준입니다.

재료는 계속 진화하고 의상 디자인 스타일은 유행에 따라 바뀌지 만 원칙은 변함이 없습니다. Robert Edmond Jones가 1941 년에 쓴 것처럼 '무대 의상은 극장의 창작물입니다. 그 품질은 순전히 연극 적이며 극장 밖에서 가져 가면 즉시 마법을 잃습니다. 뿌리가 뽑히면 식물이 죽으면 죽습니다. '(p. 91).

또한보십시오 배우와 여배우, 패션에 미치는 영향; 예술과 패션; 발레 의상; 연극 메이크업.

서지

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