댄스 의상

중세 무용 의상

무용과 무용 의상의 관계는 복잡하고 단순히 특정시기의 무용 연습을 반영하는 것이 아니라 사회적 행동과 문화적 가치를 반영합니다. 댄스 의상은 역사, 민속 또는 전통, 볼룸, 현대 및 음악 댄스 의상과 같은 범주로 나눌 수 있습니다. 영향력은 패션에서 댄스로, 그리고 다시 돌아 왔습니다.

역사적인 댄스 의상

15 세기부터 18 세기까지 유럽 법원에서 열리는 축제에는 매우 정교한 댄스 의상이 필요했습니다. 궁정 댄스 의상의 스타일은 레이스 코르셋, 부풀어 오르고 슬래시 된 소매, 스커트가있는 파딩 살일, 장식이 적용된 등 당시의 일상적인 드레스와 유사한 경향이있었습니다. 21 세기 초 벨기에 겐트에있는 IHDP (Institute for Historical Dance Practice)와 같은 역사적인 무용 단체의 활동에서 역사적인 무용 의상의 재현이 분명했습니다.

• 탭 댄스 의상
• 멕시코 댄스 의상
• 현대 무용 의상

민속 무용 의상

바이에른 민속 무용 의상

15 세기부터 유럽에서는 민속 무용이 꾸준히 발전했습니다. 유럽의 민속 무용 의상 분야는 각 지역마다 고유의 춤, 복장 및 관습이 있기 때문에 매우 복잡합니다. czardas, mazurkas 및 polkas와 같은 동유럽 민속 춤은 곧 영국과 프랑스로 퍼졌습니다. 민속 무용 의상은 어두운 배경에 밝은 색상을 사용하여 동유럽의 모습을 반영했습니다. 의상은 종종 구슬, 금속 및 실크 실로 높게 장식되었습니다. 기본 여성용 드레스는 짧고 밝은 색의 슈미즈와 페티코트였으며 그 위에 여러 겹의 천을 입었습니다. 드리 워진 머리 장식은 착용자의 결혼 상태를 나타냅니다 (멋진 머리 장식은 소녀가 미혼임을 나타냄). 유럽 ​​민속 춤은 스퀘어 댄스 활동의 기초를 형성했습니다. 미국에 온 유럽 정착민들은이 특별한 유형의 컨트리 댄스와 의상을 뉴 잉글랜드에서 처음으로 소개했지만 얼마 지나지 않아 스퀘어 댄스가 전국으로 퍼지기 시작했습니다. 이브닝 드레스는 댄서를위한 표준 복장이었습니다. 여성은 발목 길이의 후프 스커트, 남성은 정장 재킷이었습니다. 이후 2 세기 동안 미국에 정착 한 유럽인의 문화적 혼합으로 인해 다양한 민족 민속 춤 의상이 탄생했습니다. 농부와 카우보이 댄스웨어는 주로 남성용 셔츠,면 바지, 카우보이 부츠, 여성용 발목 길이면 깅엄 드레스 등 일상적인 의류의 구성 요소를 기반으로했습니다. 프랑스와 영국을 경유 한 미뉴에트, 폴카, 왈츠, 쿼드 릴은 더 정교한 댄스 의상을 미국에 가져 왔습니다. 남성 댄서를위한 웨스턴 컷 스타일의 맞춤형 긴팔 셔츠와 바지, 여성을위한 풀 플로럴 자수 스커트와 블라우스. 서양 벨트, 끈, 실크 스카프와 같은 액세서리가 스퀘어 댄스 의상을 완성했습니다.

1990 년대 후반, Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli, Miu Miu와 같은 고급 디자이너들은 턱시도 셔츠와 청바지와 같은 의류 품목에 꽃 무늬로 장식 된 서양식 드레스로 '도시 카우보이 룩'을 만들었습니다. 전통적인 pointedtoe 카우보이 부츠.

2000 년대 초, 아마추어 및 전문 여성 스퀘어 댄서는 종종 직물에 주름이 번갈아 가며 넓은 흰색 레이스가있는 이중 소용돌이 치마를 입습니다. 레이스는 몸통과 소매에 사용되며 아플리케와 활은 맞는 밋밋한 부분에 꿰매어집니다. 남성 스퀘어 댄서는 칼라에 스카프를 묶은 카우보이 스타일의 셔츠, 하이 포켓 청바지, 때로는 카우보이 모자를 착용합니다. 바지 커프는 일반적으로 카우보이 부츠 안에 착용합니다. United Square Dancers of America (USDA) 책자, 스퀘어 댄스 복장 , 아마도 스퀘어 댄스 의상의 역사에 대한 최고의 리소스 일 것입니다.

밸리 댄스 의상

밸리 댄서

동양 또는 배꼽 춤은 출산하는 여성의 자매가 아기를 낳도록 영감을 주려고 할 때 제공하는 뱀 같은 움직임에서 비롯됩니다. 1893 년 시카고 세계 박람회를 계기로 밸리 댄스가 아랍 세계에서 미국으로 옮겨졌습니다. 준 보석, 쇳조각, 구슬로 수 놓은 이국적인 색의 천이 스타일의 특징입니다. 프린지가있는 반투명상의는 배와 배꼽을 드러내고 브래지어와 랩 어라운드 스커트는 중동 음악의 비트에 맞춰 리드미컬하게 스윙합니다. 코인 벨트와 힙 스카프는 밸리 댄스 복장의 필수 부분입니다. 때로는 벨리 댄서가 얼굴을 베일로 덮습니다. 특히 남성 댄서가 춤을 추는 경우 (교복). 또는 어깨에서 바닥까지의 길이의 비즈 및 하렘 팬츠 위에 스팽글이 달린 튜닉을 착용합니다. 역사적으로 증거는 프랑스 디자이너 Paul Poiret가 튜닉 형태를 사용하고 1920 년대에 몸을 감싸는 이국적인 하렘 바지와 베일로 구식 스타일을 업데이트하면서 20 세기 동안 유럽 패션에서 이슬람 오리엔탈리즘의 결정적인 영향을 지적합니다. . 1990 년대에는 미구엘 아드 로버, 장 폴 고티에, 존 갈리아노, 알렉산더 맥퀸, 리 파트 오즈 벡과 같은 서유럽 및 미국 디자이너의 프레 타 포르테 및 오뜨 꾸뛰르 컬렉션이 오리엔탈 밸리 댄스 의상의 영향을 받았습니다. Nancy Lindis farne-Tapper 's

중동의 복장 언어 고대와 현대 세계의 중동 복장에 대한 자세한 출처입니다.

볼룸 댄스 의상

볼룸 댄서

19 세기 초부터 볼룸 댄스는 대중에 의해 채택되었고 특별한 이브닝 드레스는 이러한 행사에 맞게 디자인되었습니다. 왈츠, 폭스 트로트, 폴카, 마주르카, 비엔나 왈츠는 우아한 스타일이 필요했습니다. 20 세기에는 탱고, 스윙, 라틴, 찰스턴, 룸바, 볼레로, 차차, 맘보, 삼바를위한 댄스 의상이 더 에로틱했습니다.

모던 댄스 의상

20 세기 초, 이사도라 던컨의 무대에서의 자연스러운 움직임은 춤의 새로운 시대를 상징했습니다. Duncan의 현대 무용 스타일은 그리스 예술, 민속 무용, 사교 무용 및 운동의 영향을 받았습니다. 자유롭게 흐르는 의상과 헐렁한 머리카락은 무용 동작의 자유를 허용했습니다. 제 1 차 세계 대전 이후, 주로 여성 무용수로 구성된 현대 무용 그룹이 등장했습니다. 그 후 수십 년 동안 George Balanchine과 Martha Graham, 이후 Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey, Pina Bausch와 같은 전위적인 안무가들은 전통 무용과 의상을 개혁하고 자유화했습니다. 전통적인 발레 기술에서 벗어나 현대 무용은 새로운 의상 시대를 열었습니다. 안무가가 여성과 남성 무용수를 구별하는 것이 덜 중요하다고 느꼈기 때문에 의상과 메이크업은 유니섹스 스타일을 취했습니다. 극장 디자이너는 반나체 의상을 실험했습니다. 남성은 투명한 티셔츠와 짧은 검은 색 트렁크, 여성은 단순한 몸통과 무지 스타킹이 표준 의상이었습니다.

1934 년 신고전주의 무용 안무가 인 조지 발란신 (George Balanchine)은 공연을 위해 발레 댄서에게 리허설 연습복을 입힌 최초의 인물입니다. 무색의 사용은 거의 항상 흑백이었던 Balanchine의 의상을 특징으로합니다. 무대 위의 미니멀리즘에 대한 그의 감각은 누드 노출을 통해 발전했다.

프로 및 아마추어 볼룸 드레스

탱고 댄서

탱고 드레스 :

일반적으로 꽉 끼는 윗부분과 다리를 드러내 기 위해 스윙하는 바닥 슬릿이있는 원피스. 단단한 실루엣을 보장하기 위해 스트레치 소재가 사용됩니다. 댄스 드레스는 종종 모조 다이아몬드, 구슬, 반짝이 및 쇳조각으로 장식되어 있습니다.

스윙 및 라틴 드레스 :

탱고 드레스와 매우 유사하지만 훨씬 짧은 밑단 라인은 드레스를 더 섹시하게 만들고 전체 다리를 드러 낼 수 있습니다. 호랑이 나 표범과 같은 동물 무늬는이 드레스의 거친 의미를 더욱 돋보이게합니다.

왈츠와 폭스 트로트 드레스 :

고가의 가벼운 실크 나 새틴으로 만든 우아한 원피스 드레스. 넓게 흔들리는 발목 길이 스타일은 이러한 춤의 부드러운 움직임을 강화합니다.

찰스턴 드레스 :

유리 구슬과 쇳조각으로 수 놓은 무릎 길이의 셔츠 드레스는 필요한 움직임의 자유를 보장했습니다. 가벼운 드레스와 긴 프린지가 춤의 움직임에 따라 리드미컬하게 흔들 리게했는데, 이는 로링 20 년대의 라이프 스타일의 일부였으며 독일과 유럽에서 가장 인기있는 미국 댄스가되었습니다. 1927 년 베를린에서 찰스턴 재즈 밴드와 함께 공연을 한 Josephine Baker에게 큰 감사를드립니다.

폴카와 마주르카 드레스 :

화려한 프린트 디자인의 민속 전통 드레스, 보통 농민 블라우스와 화려한 프릴과 화환으로 장식 된 랩 어라운드 스커트. 1970 년대 농민 블라우스는 일상적인 의류에서 매우 유행이되었고 Emilio Pucci와 같은 고급 디자이너는 자수와 주름 장식이있는 에스닉 스타일 의류를 디자인했습니다. 부드러운 프릴 밑단이있는 플로럴 농민 블라우스는 1990 년대 후반 Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino, Christian Dior와 같은 디자이너 브랜드가 민속 패션 테마를 만들면서 부활했습니다.

룸바와 삼바 드레스 :

스커트와 소매에 대비되는 주름 장식이있는이 드레스는 종종 밝은 색상의 캐리비안 스타일로 디자인됩니다.

차차 드레스 :

꽉 끼는상의와 넓은 오프 숄더 네크 라인이있는 투피스 드레스. 라인 석은 일반적으로 직물에 부착되어 매혹적인 효과를줍니다.

Martha Graham은 무대에서 뾰족 구두없이 댄스를 홍보 한 최초의 사람 중 한 명입니다. 에 천사의 전환 (1948), 그녀는 여성 무용수에게 커튼을 입혔고 남자는 거의 알몸이었습니다. Isamu Noguchi에서 영감을 얻은 Graham의 특별한 왕관과 모자 핀은 ​​특히 모던 댄스 의상의 일부로 유명해졌습니다. 새롭게 통기 된 컷으로 스커트와 댄스 드레스가 바지처럼 보이게하여 큰 움직임의 자유를 허용합니다. 처음에 Graham의 춤은 맨 무대에서 공연되었으며, 의상에서 보여준 미니멀리즘을 강조했습니다. 나중에 그녀는 또한 남성 무용수의 전통 발레 튜닉과 여성 무용수의 민속 드레스와 튜 투스를 곧고 종종 어둡고 긴 셔츠 또는 리허설 레오타드로 대체했습니다. 1976 년 10 월에 자유의 메달을 수상한 마사 그레이엄은 그 상을받은 최초의 댄서였습니다.

1950 년대에 메르 세 커닝햄 (Merce Cunningham)과 폴 테일러 (Paul Taylor)와 같은 밸런 신 (Balanchine)과 그레이엄 (Graham) 중심의 현대 무용 안무가의 의상은 반나체 스타일을 계속 강조하는 경향이 있었지만 레오타드에 인쇄 된 프린트는 개별 현대 무용 스타일과 의상을 개인화했습니다. 1958 년에 아티스트 Robert Rauschen-berg는 Cunningham 's를 위해 무지개 점이있는 반짝이는 실크 스타킹을 만들었습니다. Summerspace. 안무가이자 의상 디자이너 인 Alwin Nikolais의 디자인은 다음과 같은 공연으로 현대 무대에 영향을 미쳤습니다. 누 메논 모바일 (1953) 그리고 영상 (1963).

뮤지컬 댄스 의상

뮤지컬 극장의 증거는 영국, 프랑스, ​​독일에서이 노래와 춤 공연의 두 가지 형태가 등장한 18 세기로 거슬러 올라갑니다 : John Gay 's와 같은 발라드 오페라 거지의 오페라 (1728), 그리고 나중에 Michael Balfe와 같은 코믹 오페라에서 보헤미안 소녀 (1843). 이때 많은 연극이 단기적으로 진행되었고 무대 의상은 종종 일상적인 드레스 디자인을 기반으로했습니다. 1880 년대 후반에 코믹 오페라가 뉴욕 브로드 웨이를 정복했으며 로빈 후드 , 인기있는 청중을 위해 설계되었습니다. 1880 년대부터 1920 년대까지 런던의 뮤지컬 코미디 장르가 등장했고 Lucile로 알려진 Lady Duff-Gordon과 같은 디자이너는 가수와 댄서를위한 세련된 의상을 정교하게 만들었습니다. 1920 년대 초, 탭댄스 기술이 대중화되었고 특별히 디자인 된 탭댄스 신발이 오픈 마켓에서 판매되었습니다.

남성 스타킹 : 남성 댄서

러시아에서는 남성 무용수가 높은 평가를 받고 있으며 일반적으로 고전 발레 훈련이 무용 경력의 기초입니다. 다른 나라의 소년들 사이에서 댄스에 대한 관심이 증가하고 있지만, 많은 사람들이 댄스 레슨을 받기에 너무 부끄러워하고 일반적으로 여성 의류 품목으로 간주되는 스타킹을 입어야합니다. 따라서 특정 댄스 스쿨에서는 젊은 남학생이 티셔츠와 짧은 바지를 입고 연습 할 수 있습니다. 연습복 아래에서 무용수들은 보통 고환을 분리하고지지하도록 설계된 서 스펜서 리를 착용합니다. 또는 댄스 벨트, 특수 속옷을 스타킹 아래에 입을 수 있습니다. 두 경우 모두 앞쪽의 파우치는 삼각형이고 단단하며 거의 평평하여 댄스 동작 중에지지와 형태를 제공합니다. 춤의 남성 성이라는 주제는 The Children of Theatre Street (1977)과 Billy Elliot (2000)와 같은 영화에서 대중적인 대우를 받았습니다. Ramsay Burt의 저서 The Male Dancer는 댄스에서 남성 성의 주제를 더 깊이 탐구합니다.

탭 댄스 신발 : 유명한 소리

퍼커 시브 풋워크가있는 미국 연극 댄스 스타일 인 탭 댄스의 기원은 19 세기 초에 아프리카의 움직임과 리듬을 유럽의 지그와 릴에 통합 한 남부 주에서 노예 춤에 있습니다. 탭 댄스는 1840 년부터 극장에서 채택되었고 가죽 밑창 신발의 막힘이 점점 더 대중화되었습니다. 세기가 바뀌는 핀 데시 에클에는 두 가지 스타일의 탭 댄스 신발이 만들어졌습니다. 두 가지 스타일의 탭댄스 신발은 벅 앤윙이라고도 부르며 듀오 Jimmy Doyle과 Harland Dixon이 인기를 얻은 뻣뻣한 나무 밑창 신발과 부드러운 조지 프림 로즈가 대중화 한 가죽 밑창 신발. 1920 년대에는 가죽 밑창 신발에 금속판 (탭)이 부착되어 바닥에 크고 날카로운 소리가났습니다. 1940 년대와 1950 년대에 Fred Astaire, Paul Draper, Gene Kelly와 같은 댄서들은 할리우드 영화 매체를 통해 더 많은 청중에게 탭 슈즈를 대중화했습니다.

50 년대에는 뮤지컬 마이 페어 레이디 (1956)은 수많은 의상 변경으로 관객을 놀라게했습니다. 의상 디자이너 세실 비튼은 주인공 인 엘리자의 일반 꽃 상인에서 사회 여성으로 변신 할 수있는 의상을 만들었습니다. 1975 년에 Michael Bennett의 코러스 라인 브로드 웨이에서 오픈했고 에어로빅과 댄스 의상은 무대와 일상 생활에서 인기를 얻었습니다. 분홍색, 녹색 및 노란색의 밝은 네온 음영이 색상 범위를 지배했습니다. 댄스 타이츠, 레깅스, 헤드 밴드, 팔찌가 무대에서 패션으로, 그 반대로 퍼집니다. 1988 년 뮤지컬 명성 는 영화와 TV 시리즈에서 영감을 받아 런던에서 개장했으며 80 년대 패션을 반영하여 레오타드와 반바지를 선보였습니다. 21 세기 초, A. R. Rahman의 볼리우드 뮤지컬 봄베이 드림 (2002) 런던에서 개장했으며 인도 의상은 무대 디자인에 민족적 영향을 미쳤습니다.

또한보십시오 무용과 패션; 발레 의상; 음악과 패션; 연극 의상.

서지

Balasescu, Alexandre. 'Tehran Chic : 이슬람 머리 스카프, 패션 디자이너 및 근대성의 새로운 지리.' 패션 이론 7 (2003) :

Buonaventura, Wendy 및 Ibrahim Farrah. 나일강의 뱀 : 아랍 세계의 여성과 춤. 매사추세츠 주 노 샘프 턴 : Interlink Publishing Group, 1994.

버트, 램지. 남성 댄서 : 신체, 스펙타클, 섹슈얼리티. 런던과 뉴욕 : Routledge, 1995.

카터, 알렉산드라. Routledge 댄스 연구 독자. 런던과 뉴욕 : Routledge, 1998.

Dodd, Craig. 댄서의 공연 세계. 런던 : Breslich & Foss, 1981.

Lindisfarne-Tapper, Nancy 및 Bruce Ingham. 중동의 복장 언어. 써리 : 커존, 1997.

Strong, Roy, Richard Buckle 및 Ivor Guest. 댄서를위한 디자인. 런던 : Elron Press Ltd., 1981.

인터넷 자원

United Square Dancers of America, Inc.의 교육위원회 USDA 소책자 B-018. USDA 간행물, 1997. http://www.usda.org .

역사 무용 연습 연구소 (IHDP) 2004. http://www.historicaldance.com .