힙합 패션

힙합은 소외되고 좌절 된 청년의 목소리이며 전 세계적으로 포장되고 판매되는 수십억 달러 규모의 문화 산업입니다. 힙합은 또한 다른 음악 주도 청소년 문화를 설명하는 데 사용되는 많은 인기있는 특성을 초월하는다면적인 하위 문화입니다. 힙합에 대한 중요한 고려 사항 중 하나는 힙합이 1970 년대 초반 개념 이후로 1960 년대의 시민권 운동보다 흑인 사회적 정체성을 더욱 강력하고 효율적으로 발전 시켰다는 것입니다.

힙합의 진화는 단어와 음악에 대한 자 의식적 반추에서 체조와 의복을 통해 현대 도시 생활의 완고한 표현으로 발전했습니다. 처음부터 힙합 패션은 끊임없는 개화의 궤적에있었습니다. 개발은 주로 남성복 부문에서 이루어졌습니다. 초기 옷은 기능적이었고 여러 가지 색상의 아플리케 가죽 재킷, 양가죽 코트, 자동차 코트, 스트레이트 레그 코듀로이 또는 데님 청바지, 후드가 달린 스웨트 셔츠, 운동 용 워밍업 바지, 모의 터틀넥, 운동화와 모자와 같은 기존 품목을 포함했습니다. 기능성이 떨어지는 품목에는 디자이너 청바지와 모니 커 벨트, 금 보석, Kangol 모자, 뚱뚱한 끈이 달린 Pumas, 농구화 및 Cazal의 특대 안경이 포함되었습니다.

몸의 윤곽을 가장 한 헐렁한 의류 형태는 1980 년대에 도입되었습니다. 2000 년대 초반, 전형적인 힙합 룩은 흑인 리그와 축구 팀의 휘장으로 장식 된 야구 모자와 잘 알려진 패션 디자이너로 구성되었습니다. 모직 비니 모자와 손수건은 단독으로 또는 함께 착용했습니다. 구스 다운 재킷 또는 기타 악천후 겉옷과 후드 스웻 셔츠가 조화를 이룹니다. 1990 년대 후반에는 유비쿼터스 대형 흰색 티셔츠, 농구 조끼, 하키 셔츠가이 표현의 필수품이되었습니다. 헐렁한 데님 진이나 카무플라주 카고 팬츠를 낮게 헐렁하게 입었고, 배낭, 전투 또는 하이킹 스타일의 부츠 또는 운동화는 문신과 면도, 엮거나 험악한 헤어 스타일로 보완되었습니다. 처음에 힙합 여성복은 현대 여성복을 반영한 하찮은 외모로 구성되었으며 글로리아 밴더빌트 청바지, 대나무 귀걸이, 펜디 및 루이비통 핸드백, 이름 체인, 횡격막 탑, 브래지어 탑, 짧은 치마, 타이트 청바지, 높은 부츠, 직모 직조 및 머리띠, 문신, 가짜 손톱 및 대형 금 보석. 또한 일부 여성들은 1990 년대 남성들이 입었던 것과 유사한 아이템으로 구성된 의류를 입었습니다. Lil 'Kim과 Foxy Brown과 같은 여성 래퍼들은 결국 힙합 여성복의 근거가 될 도발적인 의상과 기이 한 성적 몸짓을 보여주었습니다.

산업화 이후 환경에서 힙합은 긍정적 '타자 성'의 표현으로 등장했습니다. 이는 정치적으로 보수적이고 사회적으로 도덕적 인 집단, 특히 모더니스트, 반다 원 주의적 관점을 신성하다고 생각하는 사람들에 의해 인기가없고 오해를받는 경우가 있습니다. .

결과적으로 힙합은 젊은이들의 표현을 검열하고 행동과 도덕을 감독하려는 설립 기관들에게 인기가없는 경향이 있습니다. 그러나 힙합은 대중 매체에 의해 이해되며 물질주의의 끌림과 도시 하층 층의 정체 사이의 변동성의 증상으로 악용된다. 이러한 불안정한 상태는 힙합을 도시 생존의 숙달과 관련된 프로젝트로 만들게되었고, 따라서 뉴질랜드, 일본, 아프리카, 프랑스 및 영국의 힙합에서 보여지는 세계적인 매력을 가지고 있습니다.

원심력 인 힙합은 더 넓은 사회에서 대안 적 관점의 개념화에 기여했습니다. 여기에는 물질주의, 매너, 도덕, 성 정치, 언어, 몸짓, 음악, 무용, 예술 및 패션이 포함됩니다. 힙합 음악과 패션은 적합성과 일반적인 수용 가능성의 주변에서 진동하지만 문화에서 본질적인 위치를 차지했지만 외부인 지위의 개념과 록 음악의 인기를 기반으로 힙합은 존경 받고 모방되었습니다. 대부분의 인종과 사회 계층의 청소년들에 의해.

힙합이 시작된 곳

힙합은 때로 명품 시장에서 제품의 집합체와 동의어가되었지만, 힙합의 기원에서는 그러한 상황이 터무니 없었을 것입니다. 힙합은 뉴욕의 브롱스에서 열린 지하 파티 문화에서 형성되었습니다. 이 파티는 DJ Kool Herc, Grandmaster Flash 및 DJ Starski가 공원, 거리 및 커뮤니티 센터에서 즉석 파티에서 연주하기 시작했을 때 공식화되었습니다. 힙합 브레이크 비트의 창시자 인 Jamaican DJ Kool Herc는 자메이카와 뉴욕에서 연주 된 자메이카 레게 사운드 시스템에 Herculords 디스코텍 시스템을 기반으로했습니다. 랩의 예술 형식은 청중에게 내러티브를 전달하는 방법으로 등장했습니다. 랩핑은 레게 음악의 오랜 전통 인 '건배'와 비슷합니다.

다른 스타일에 대한 영향

'비보이'와 '플라이 보이'는 음악과 춤에 중점을 둔 사람들과 패션에 중점을 둔 사람들을 구별하기 위해 사용한 명칭입니다. B-boys와 B-girls는 전자 였고 Flyboys와 Flygirls는 후자였습니다. B-boys는 브레이크 댄스에서 그들의 지명을 얻었습니다. 푸마 스니커즈, 아디다스 트랙 팬츠, 티셔츠, 패딩 나일론 또는 가죽 재킷과 같은 스포츠웨어를 입은 브레이크 댄서. 그들은 브레이크 비트 녹음의 중단되고 반복되고 겹쳐진 프레이즈와 함께 시적이고 중력을 거스르는 곡예적이고 폭발적인 바디 팝 동작을 만드는 데 특화되었습니다.

브레이크 댄스 이후의 하위 트렌드는 랩에 영향을받은 패션의 선구자가되었습니다. 예를 들어, 하드 코어 랩, 갱스터 랩, Afrocentric / 문화적 랩과 관련된 패션과 직접적인 상관 관계가 있습니다.

1990 년대 중반의 뉴욕 가정 소년

착용자는 상징적 인 주류 미국 클래식, 흰색 티셔츠 및 Levi 's 501 청바지를 입고 있습니다. 그는 그 옷이나 다른 옷에 대해 무지하고 그가 입는 방식은 Kangol 골프 모자, Nike 운동화 및 유비쿼터스 사각 팬티와 같은 상태를 상쇄하기 위해 선택됩니다.

그러나 디스플레이의 핵심 장치는 복서 반바지의 신축성있는 가장자리가 청바지 허리를 들여다 보면서 디자이너 브랜드의 신축성이 보이도록하는 방식으로 청바지와 함께 복서 반바지를 착용 할 때 달성됩니다. 결과적으로 청바지는 바지의 형태가 착용자의 보폭에 영향을 미치기 시작할 정도로 재구성됩니다. 천 묶음이 다리 아래에 모여서 부피가 크고 움직임을 제한합니다. 이 불안정한 청바지 착용 방식은 표현의 기초를 만듭니다.

비보이 표현은 하위 문화적 분열을 성공적으로 넘었습니다. 주로 백인 인 스케이트 보더들도 비보이 표현의 대부분을 받아 들였고이를 라이프 스타일에 맞게 조정했습니다. Daisy Agers는 1960 년대 이후 다양한 흑인 의식 운동이 보여준 아프로 센 트릭 특성을 그린 래퍼 De La Soul에 의해 예시되었습니다. Neo-Panthers, Afrocentrics, Sportifs 및 Gangstas는 광범위한 추종자를 누리는 개발을 나타냅니다. 실제로 이러한 특성화에는 1980 년대 초 힙합이 정의 된 이후 거의 모든 디아스포라 표현에서 공모를 보여주는 의류 개체가 포함되어 있습니다. 1980 년대 비보이가 활용 한 패션 오브제 중 상당수는 1980 년대 이전의 긍정이었습니다. 1970 년대 포주 스타일에서 차용 한 갱스터 표현의 대부분은 1980 년대 중반 비보이의 전형적인 모습은 Black Panther 미학과 Jamaican Rude가 맛을 낸 스포츠웨어 룩을 융합했습니다. Bwoys . 비보이와 플라이 보이는 '아프리카 계 미국인과 카리브해 역사와 정체성의 문화적 명령'(Rose p. 21) 간의 문화 간 교류의 결과로 성공했습니다.

1980 년대 중반과 1990 년대 초 힙합 음악이 전 세계적으로 성공하면서 힙합 패션이 중요해졌습니다. 결과적으로 비보이는 더 이상 흑인과 노동 계급이 아니다.

패션 힙합의 기원은 1970 년대 비보이들에 의해 잘 표현되었고, 이후 힙합 그룹 (Daisy Agers, New Jacks, Sportifs, Nationalist [neo-Panthers])을위한 경로를 만들었습니다. 패션에 고유 한 표현을합니다. 비공식 디자이너로서 이러한 그룹은 패션에 대한 현존하는 많은 제안을 위반하고 타락 시켰으며 새로운 세대의 힙합 패션 착용자들이 약속해야 할 템플릿을 제공했습니다. 힙합 음악과 마찬가지로 힙합 패션 편집, 샘플, 반복, 단결 및 새로운 패션을 창조합니다. 많은 경우 비보이는 주류 패션 레이블에 대한 열정을 가지고있는 것으로 나타났습니다. 힙합 패션 표현의 특징은 Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, Gucci 및 Burberry와 같은 미국, 이탈리아 및 영국 디자이너 레이블에 대한 선호입니다. 비보이에게 옷의 소비는 소비 의식과 전시의 일환으로 '나는 = 내가 가진 것과 소비하는 것'이라는 공식을 재확인한다 (Fromm p. 36).

비보이의 과장된 스타일은 때로는 애니메이션 만화 캐릭터와 유사한 유머러스하고 과장되고 기이 한 옷으로 표현됩니다. 이 시각적 미학은 소외가 개인을 보이지 않게 만든다는 모든 아이디어를 대체하고 제거합니다. 힙합 패션의 '표준화 된'버전이 패러디에 갇혔습니다. 1980 년대에 패션 브랜드는 힙합 문화에 속박되었습니다. 위조 된 구찌 및 펜디 의류와 진정한 Nikes 및 Timberlands의 채택은 힙합 커뮤니티의 맥락을 뛰어 넘는 반향을 불러 일으키는 패션을 만들려는 시도를 나타냅니다.

1980 년대에 Harlem 매장 Dapper Dan은 Fendi 및 Gucci와 같은 '이국적인'눈에 띄는 패션 레이블을 높이는 아이디어로 유명해졌습니다. 소비자들에게 호소력이있는 부분은 이러한 하이 패션 브랜드의 로고 타입을 그들의 옷과 할렘의 거리에. 일반적으로 이러한 브랜드의 로고가 인쇄 된 직물은 Fendi 또는 Gucci의 진정한 컬렉션에서 찾을 수없는 의류로 만들어집니다. 궁극적으로 Dapper Dan은 힙합 패션의 발전을 포함하는 포스트 모던 프로젝트였습니다.

디자이너와 프로듀서

부분적으로 힙합 패션은 기본적으로 생겨났습니다. 활동적인 스포츠웨어 및 운동화 디자이너는 거리, 나이트 클럽 또는 뮤직 비디오를 제품의 주요 위치로 타겟팅하지 않았습니다. 특히 Adidas, Reebok, Nike, British Knights와 같은 브랜드 스포츠웨어는 힙합에 편입되었고 Troop, Cross Colors, Mecca, Walker Wear, Karl Kani의 패션 스포츠웨어 전용 힙합 브랜드의 선구자가되었습니다. 그러나 의류 회사는 스포츠웨어 신발 브랜드의 우수성을 결코 능가하지 못했습니다. 나이키와 아디다스 운동화는 주류와 힙합의 거리를 나타내는 지표입니다. 많은 착용자들에게 운동화와 Nike Swoosh는 도시 통과 의례에서 강력한 대상이었습니다. Nike Air Force 1s와 Air Jordans는 상징적이고 페티시 스트가되었습니다. Nike 로고는 보석으로 착용하고 머리카락을 자르고 피부에 문신을했습니다.

힙합은 위협적인 속도로 변화하는 문화적 네트워크를 통해 자체적 인 트렌드와 소비 패턴을 만들어 냈습니다. 주류 패션과의 공모는 잘 확립되어 있습니다. 주요 힙합 스타들의 많은 랩은 Gucci, Prada, Versace, Tommy, Earl, Burberry, Timberland, Coogi 및 Coach를 착용하는 것의 중요성을 강조합니다. 이런 랩은 보통 앨범 수록곡 'Drugs'에 대한 Lil 'Kim의 요청과 같이 일대일을 용서하는 오만한 자랑이다. 하드 코어 , '우리에게 가바나 소녀라고 불러라, 우리는 위험 해, 년들은 우리와 어울리기 위해 수수료를 지불한다'또는 '네, 참으로 1 등석이 흐르고 너의 것은 가방, 프라다 엄마 같은 코치 야.'

힙합 리더들이 베르사체, 프라다, 돌체앤 가바나, 구찌의 주류 패션 4 중주를 패션 표현의 궁극으로 인식하기 시작한 1998 년에 모티프, 직물, 색상 및 의류 착용 드라마는 극적으로 변화했습니다. 힙합 갱스터, 플레이어 및 힙합 유명인이 설정 한 유물 론적 초점은 힙합을 대체하는 '게토의 굉장함'(빈곤 한 게토의 맥락에 배치 된 '엄청나게'값 비싼 물건의 병치)에 대한 아이디어를 채웠습니다. 화려하고 값 비싼 주류 패션 브랜드의 보증에 의존하지 않는 홉 패션.

이러한 새로운 변화는 힙합 패션의 또 다른 수정을 촉발했습니다. 브랜드 퍼포먼스 스포츠웨어는 처음에는 힙합 문화에서 인기가 있었지만 다른 힙합 스타들 중 Lil 'Kim이 중요한 디자이너 라벨을 사용하여 특권과 지위의 이미지를 만들었을 때 대체되었습니다. 일반 힙합 팬과 패션 회사 모두이 아이디어를 이해했습니다. Lil 'Kim과 다른 랩퍼들의 랩은 패션 회사의 소매, 광고 및 홍보 전략에 새로운 주제 소스와 이전에 개발되지 않은 시장을 주입했습니다. 힙합 패션은 파괴적인 담론을 나타냅니다. 패션 회사는 도시 적이며 따라서 멋진 가치와 태도에 영향을 미치고 자한다면 이러한 관점이 유리하다고 인식합니다. 그러나 일부 회사는 이러한 야망에 실패하고 회사 브랜딩과 '호환되지 않는'소비자에 대한 '신화'로 모두 고통받습니다.

포스트 모던 적 관련성을 달성하려는 시도에서 Asprey, Puma, Versace 및 Iceberg와 같은 패션 회사는 교차 마케팅 전략에서 제공되는 공식 권장 사항을 사용했습니다. 이는 광고 캠페인에 출연하는 유명인이나 디자이너의 런웨이 쇼의 맨 앞줄에 앉아있는 것까지 다양합니다.

이에 대응하기 위해 많은 힙합 음악 거물 러셀 시몬스, P. 디디, 마스터 P는 모두 의류 회사를 소유하고 있습니다. 그들의 회사는 녹음 회사의 음악 출력과 동기화되는 창의적인 패션 컬렉션을 생산합니다. 이 회사들은 힙합 패션의 정확한 표현을 따르는 회사와 전문적인 힙합 어필보다는 폭 넓은 대중적인 패션 어필을 가진 디자인을 넘나들고 생산하려는 회사들로 분리됩니다.

힙합 패션의 방향과 내용을 모델화하려는 시도에서 힙합의 거물들은 힙합 추종자들의 삶의 경험, 경제적 수단, 자기 창조적 성향을 무시하고 개인적인 이데올로기를 선호했습니다.

힙합이 경계를 넘나 드는 방법

1990 년대 초, 브루클린 힙합 추종자들 그룹이 Ralph Lauren 의류 라벨을 재사용하고 Ralph Lauren이 제작하지 않은 의류에 바느질하기 시작했습니다. Lo-lifer 하위 문화의 행동은 Ralph Lauren의 상업적으로 공격적인 반대에 도전하고 패션 레이블의 '적대감'에 대응하는 것이 었습니다. 잘 관리 된 패션 회사의 브랜드 이미지를 해체하면 계층 구조가 반전됩니다. 랄프 로렌의 폴로 라벨이 Lo-lifers처럼 벽이나 수건에 손으로 칠할 때 상업 브랜딩과 패션 로고 타입의 신화 적 표현에 대해 질문합니다.

힙합 패션의 특징은 착용자와 디자이너 모두의 열망을 통해 걸러진 다양한 테마입니다. 미국의 주류 디자이너 Tommy Hilfiger는 힙합 문화에 대한 이해를 성공적으로 포착하고 사과하지 않고 시장에 맞는 매우 구체적인 패션 아이템을 생산했습니다.

1990 년대 중반, Hilfiger 청바지의 새로운 컷에는 'Uptown'과 같은 제목이 주어졌으며, 이는 아프리카 계 미국인 인구가 많은 뉴욕 두 지역 인 Harlem과 Bronx의 지리적 위치를 나타냅니다. 청바지의 업타운 컷은 다른 힙합 디자이너 또는 힙합 시장을 다루는 인기있는 주류 제조업체가 제조 한 여분의 헐렁한 로우 슬렁 청바지와 표면 상 동일합니다. 그러나 Hilfiger에 대한 힙합 열정의 정도는 브랜드를 매우 인기있게 만들었습니다.

힙합 패션은 '쿨'의 묘사 자로 간주됩니다. 사실 힙합의 측면은 불협화음의 특징이되었습니다. 영국 왕실 왕실 윌리엄과 해리가 야구 모자를 쓰고 집안의 몸짓을 기뻐했던 이유입니다. 실제 라이브 비보이를 만나 본 적이 없을 것입니다. 멋진 몸짓 자세는 의심 할 여지없이 뮤직 비디오에서 얻을 수 있습니다.

멋진 표현에 대한 가장 유익한 연구 중 하나에서 Majors와 Billson은 cool이 개인의 권리 박탈에 가치를 더한다고 제안합니다. 그 관행은 태도를 통해 구성되며 패션 오브젝트의 귀속 된 중요성을 통해 착용자의 지위를 암시합니다. 쿨한 현상은 힙합 라이프의 매력적인 요소로 떠 오릅니다. 그것은 자아의 집착에 의해 영향을받습니다. 멋지거나 다른 연상을 사용하기 위해 '비행'또는 영국에서 '스타일링'은 착용자가 의류 구성을 약간 조정할 수 있지만 소속감의 배지 역할을하는 스텔스의 창의적인 절차입니다.

또한보십시오 Tommy Hilfiger; 랄프 로렌 ; 음악과 패션.